美术馆当然不止打卡

　　评星：三星半

　　“草间弥生又要来上海了。”在展览开幕前，不少人发出这样的感慨，之所以说“又”，是因为早在2013年，日本当代艺术最重要的艺术家之一草间弥生的个展已经在位于上海人民公园内的上海当代艺术馆（MoCA）举行过，依稀记得当时的票价为50元，以及排队进入镜后一瞬间的惊喜炫目。

　　6年之后，上海当代艺术现状已今非昔比，除“镜屋”外，“雨屋” Teamlab都陆续登陆了上海，上海人也早已对排队看展司空见惯，草间弥生还魅力如旧吗？

展览现场，草间弥生作品《无限蕴藏的波点希望将永远笼罩宇宙（2019）》

　　不难看出，复星艺术中心草间弥生展的宣传颇有“网红”特性，也为排队看展做了足够准备，这种准备也体现在展览动线设计上。

　　草间弥生标志性作品大南瓜位于复星艺术中心的门口，让观众在未入馆前“尝个鲜头”。而后买票电梯至二楼，从踏入这一层开始，就是一场浸入式的体验：作品“隐匿的人生”构成了一个镜面走道，沿着走道不自觉的行走陆续可以从“我要亲眼见证内心”的小孔中窥看镜屋，再走进充满张力的“无限蕴藏的波点”，直至展览和排队的最高潮“无限镜屋”。在这一层的展览中，除了作品，各种拍照的观众也在无意中成为了另一道风景。以至走出“无限镜屋”后，有一些草间弥生普及性的信息，但多数人只是匆匆而过。

展览现场，草间弥生作品《无限镜屋（2019）》

　　相比二楼的震撼，三楼展陈则略显逊色，一圈草间弥生的架上绘画包围着她的花卉雕塑。这一层令人意外的或许还数洗手间镜子上的波点，展览也就此结束。

　　走完整个展览，印象深刻的可能依旧是“无限镜屋”，但与多年前上海MoCA展相比，展览和展品似乎没有超越，体现出超越的是来“打卡拍照”的人，但其中又有多少人知晓草间弥生在精神疾病困扰下的痛苦与挣扎。

　　在“网红经济”的带动下，“打卡”被广泛用于生活的各个方面，尤其美术馆“打卡”成为时尚。比如，说到上海双年展，很多人浮现出的是那个白色背景、挂满时钟的屋子，因为那是“打卡圣地”。去年余德耀美术馆推出由卡特兰策展的“艺术家此在”，也是一波“打卡”。以至于龙美术馆近期举办的喻红个展，打出了“李宇春也来打卡”标题。但事实上无论是“上海双年展”、还是“艺术家此在”等展览，其中大部分作品讨论的是严肃的问题。

　　美术馆热衷办“打卡”，或许是因为近年私人美术馆的崛起，需要足够的观展人群和门票收入收回一点点展览成本。当然这绝非坏事，甚至从某种意义上说，私人美术馆拓展了展览的多元化。毕竟世界三大网红展“镜屋”“雨屋” 和Teamlab都在上海私人美术馆举行，同时私人美术馆也带来贾科梅蒂、伦勃朗等人的经典艺术家的作品。

　　或许“网红展”是更多人走进艺术的一种方式，但走进之后如何深入，如何不限于只是拍照？（文/小松）

　　沉默的邂逅—布鲁诺?瓦尔波特作品展

　　地点：中央美术学院(微博)美术馆（北京）

　　展期：2019年3月5日-5月1日

　　票价：60元（包括三个展览）

　　点评：这是意大利木雕大师布鲁诺?瓦尔波特在亚洲的首次巡展，展览如同其标题一般，给人一种平静感。布鲁诺用细腻的情感和技巧赋予木头以生命，作品朴素平淡，却让人印象深刻。

　　点评：四星

　　近日，三位国外艺术家的个展几乎同期在中央美术学院美术馆展开——玛吉·汉布林（Maggi Hambling）、马克·奎恩（Marc Quinn）以及布鲁诺?瓦尔波特（Bruno Walpoth），对于人本身的探索似乎是这三位艺术家的共通点。玛吉·汉布林的绘画裹挟着生命的“惊骇”，马克·奎恩的雕塑呈现“皮相之下”的错综复杂以及从人出发的种种议题，相比之下，布鲁诺的个展如同其标题一般，给人一种平静感。

展览作品

　　布鲁诺?瓦尔波特1959年出生于意大利北部多洛迈特群山环抱中的格勒登山谷，他所居住的村庄以木雕闻名，曾诞生过多位木雕大师。布鲁诺?瓦尔波特的木雕作品常常以真人为模特进行雕刻，风格简单干净，线条细腻。

　　由于材料本身的特殊性，木质写实雕塑稍有差池，可能就前功尽弃，据说，要把木头转变为几可乱真的人体木雕，布鲁诺至少需要耗费2个月的时间。在现场，能够看到布鲁诺的人体木雕上细腻的皮肤肌理或是衣服褶皱，在一件作品旁边，一段视频讲述了布鲁诺如何让“人体”从木头中“诞生”。

布鲁诺，《等待初雪》， 166 x 45 x 25cm， 2008，核桃木

　　作品《等待初雪》让人印象深刻：一个裸体男孩站在一堆木屑之中，遍地的木屑想必正是艺术家从木头中凿出“生命”时的“副产品”，这些木屑似乎让“等待初雪”所蕴含的漫长时间变得可视可感。

　　除了木雕，展览还展出了布鲁诺的几件绘画、铜雕和纸雕作品，布鲁诺的蜡笔画如同简短易懂的小诗，勾勒出人生百态。他的铜雕作品《盖瑞》没有铜雕素有的那种神圣或肃穆感，而是无比接近生活，他的纸雕《朱安娜》位于《盖瑞》对面，不知展览在布展时是否有意为之，铜和纸两种材质在这里分别用来表现男性和女性，让人想要探究雕塑材料与性别的关系。

展览作品

　　在展览的前言中，布鲁诺提到自己相信木头具有生命的灵性，从展览上安静地散落在各个角落的作品来看，木头确实充盈着生命感。那些人物静静地呆在各自的位置，平淡地讲述着生命常态。（文/维尼）

　　赞美油画——Met馆藏荷兰大师作品展

　　地点：大都会艺术博物馆（纽约）

　　展期：2018年10月16日-2020年10月4日

　　票价：25美金（通票）

　　点评： 展览以9个部分组织起67件荷兰黄金时代的艺术作品，在展厅中，这些画作挂在一起，大多在视线的水平线上，让Met雷曼翼楼中昏暗的展厅仿佛变成了这些的伟大画作原本装饰着的房间。

　　评星： 四星

　　17世纪是荷兰油画的黄金时代，出现了伦勃朗、维米尔、哈尔斯等大师。自1871年大都会艺术博物馆（Met）收藏这一阶段的油画以来，它们一直是馆藏中的亮点。关于荷兰黄金时代绘画的展览以前也有不少，比如2018年华盛顿国家美术馆举办过荷兰黄金时代以海洋为主题绘画的展览。而本次展览汇集了几件Met馆藏中最伟大的作品，以崭新的视角展现这一艺术史上的非凡篇章。

　　17世纪的荷兰黄金时代几乎可以说是荷兰的巅峰时期，荷兰的社会文化等各方面都非常繁荣。由于荷兰拥有很多全球贸易线路，各色人等对艺术的需求量很大，也催生了艺术的繁盛。

维米尔，《学习中的女子》，1665-1667年

　　展览将观众导向17世纪荷兰文化中的关键问题，问题涵盖了宗教与炫耀性消费的争论、画家对女性家庭生活的迷恋等。展览以 “新国家的面孔”“信仰问题”“大师、学生、对手”“喜剧绘画”“有争议的身体”“女性生活”和“在关上的门之后”等9个部分。每个部分将作品和概念分组成为有趣的视觉叙事，组织起67件艺术作品。这些作品的来源包括本杰明·奥特曼的遗赠，罗伯特·雷曼、杰克和贝莉·林斯基等人收藏。通过这些作品，展览从一个新的视角来看荷兰黄金时代的思想及其决定因素。

伦勃朗，《杰拉德·德·莱雷西》，1665-1667年

杰拉德·德·莱雷西，《阿波罗与奥莱拉》，1671年

　　这些不同来源和作者的作品在博物馆的展厅中分别展出，如伦勃朗所作的《杰拉德·德·莱雷西》和莱雷西自己的作品《阿波罗与奥莱拉》并排展示，目的是在叙述这段时期关于现实主义和理想主义之间紧张关系时，产生一种视觉上引人注目的效果。展览的标题来自这一时期的重要作品，菲利普·安吉尔的《油画的赞美》（1642），这幅作品是对艺术中现实主义的辩护。