用画笔记录瓷上山水色

　　明清两朝时，官府尤重景德镇，极尽人力物力，景德镇陶瓷达到巅峰之态。景德镇四大名瓷——玲珑瓷、青花瓷、颜色釉瓷、粉彩瓷，便在那时奠定了他们的历史地位，并以其顶级和繁复多样的工艺，丰富了中国瓷器的腰线。

　　《万山红遍》

　　官窑的投入极大地促进了景德镇陶瓷烧造技艺的繁盛，繁琐的规矩制度却也成为了瓷器美学发展的桎梏。直至民国，开放的社会环境促使“瓷上文人画”形式的诞生发展，为景德镇陶瓷艺术带来了新的发展契机。

　　其中最具代表性的为“珠山八友”，以诗书画印入画绘瓷，文学素养和艺术水准兼具，“珠山八友”也成了那个时期瓷器的代名词，并作为呈上启下，为景德镇陶瓷发展启了新的开端——个性化装饰。

　　“珠山八友”之一的刘雨岑先生尤擅花鸟画，他的儿子刘平（中国陶瓷艺术大师），传承了朱山八友的美学遗风，并致力于将艺术的个性化和对美学的追求传承给他的弟子们——中国工艺美术大师刘伟，便是其中出类拔萃的一人。

《乡情》

青绿山水《春江水暖》

　　彩如琉璃

　　上千年的景德镇陶瓷艺术，集中国陶瓷之大成，演变出了丰富多样的陶瓷技法。

　　玲珑瓷，素瓷甚薄，雕花纹理映透出影青镂花；青花瓷，白釉青花一火成，幽静典雅，青翠欲滴；颜色釉丰富的色彩是以金属氧化物为着色剂，在一定温度与气温中反应呈现。而粉彩瓷色彩淡雅，涂上颜料后用笔洗开，由于砷的乳蚀作用颜色产生粉化效果，是康、雍、乾三代重要的御用瓷器。

《千里江山图》

　　刘伟的作品兼具颜色釉的感染力和粉彩的雅致，在多种技法的基础上，刘伟又研发了“琉璃彩”的陶瓷装饰技法。

　　琉璃彩属于釉中彩，不同于普通粉彩750至800度的烧成温度，琉璃彩技艺将烧制温度提高到1100度。

　　无论是白釉还是彩绘部分，刘伟全部采用超高温进行烧制。更高的熔点使得“玻璃相”透明度极高，因此瓷器更透明莹亮，仿若琉璃般透气。而在仿若琉璃的透明釉质下图案的色彩显色度极高。

　　超高温烧制的另有一益处，便是可以帮助釉色中“铅”等物质溶解，因此琉璃彩陶瓷不存在传统粉彩保存不好易出现的“泛铅”现象，可以永久地保留原色。

　　能工巧匠千百年来不断积累下来的陶瓷艺术，又在更多的有志匠人手中不断发扬。

琉璃彩《梅开五福》

　　“琉璃彩”的名字令人自然联想到灵动的琉璃。上千度烧制而成的琉璃，高温的火焰赋予了琉它生命的律动。人们爱琉璃是爱它的呼吸感，爱它的流动感，更爱它的生命感。

　　而同样在高温下诞生的琉璃彩陶瓷，以它的玲珑剔透赋予了陶瓷灵动之魂，绽放出呼吸之美。

　　刘伟的琉璃彩作品《金葵花》，高饱和度的橘色在薄薄的透明釉之下，恣意地绽放着。这样浓烈的颜色，这样盛放的热情，皆因“琉璃彩”的技艺得以完美呈现。

琉璃彩《金葵花》

　　山水造境，造山水之境

　　“被称为最富诗意的造型师”的保罗·克利曾说“一位真正的艺术家应该是一位诗人”，而诗人最擅长的便是造梦。

　　与传统的山水画注重景物描型不同，刘伟的山水画致力于造境，造山水之境，更是造自然的梦境。

　　长江两岸的绝壁、轻舟竹桥后的渔火、鄱阳湖水的浩淼、微风吹拂花树的嫣然。他的山水画不写实却有空间感，细节繁复却盈满诗意，春夏秋冬的四时之景，百鸟穿林之境，作品仿佛画境一般，在空灵曼妙之中，自然的和谐之态尽显。

　　刘伟擅长以一种梦幻的方式展现出一幅全景画卷，仿若《聊斋》中的那幅画壁般，是让人神往的画中仙境。

琉璃彩《双龙湾》

　　南齐的美术家谢赫提出了“六法”美学评判标准，到了今天这套标准仍具有时代意义。而“六法”之首便是“气韵生动”，由此可见“神”是一幅画的精髓。

　　刘伟的作品虽笔法“写意”，但内在气韵却非常“写实”。

　　他的作品《攀峰》纵笔挥洒，墨彩飞扬，山峰如流水般晕染开来，浑然高耸，近处一座险峰之上，红色的观景亭居于画面中心，两个小人在促膝而谈，寥寥几笔勾勒出的遍布山林的松树，写意的画法却让人一眼便品出青松的遒劲傲然。

《攀峰》

　　而刘伟最具特色的是“堆白”这种装饰手法。他选择有遮盖力的釉料进行绘制，无论是秋花还是冬雪都有体积感、有空间感。

色釉粉彩水碗《金秋》

　　如陶瓷镶器《瑞雪丰年》中，画面上纷飞的白雪好似“浮出画面”，映衬出了天地的广阔，而漫天大雪下的村庄，又格外静谧，也格外烂漫，以实衬虚，实在妙哉。这种空间的装饰手法是刘伟最具代表的个人特色之一，更是刘伟充满诗意的文人雅趣的最佳体现。

镶器 《瑞雪丰年》

　　瓷倚匠艺，墨靠笔韵。刘伟用一幅幅风格独具的画作，为人们营造了一个时而繁华热闹，时而孤寂清冷的意向世界。

　　如果说琉璃彩是他在工艺上的革新，他的山水画则是他在艺术上的革命。刘伟开创了中国画与写意画融合，诗性与哲学性并行的新纪元。